Категории:

Методическое пособие Предмет «Музыка»

Поиск по сайту:


страница1/5
Дата31.03.2012
Размер1.62 Mb.
ТипМетодическое пособие
Содержание
Vivat, vivat
Опера «Иван Сусанин».
В музыкальном театре
Балет «Спящая красавица».
В концертном зале
Гори, гори ясно, чтобы не погасло!
День, полный событий
О россии петь — что стремиться в храм
Чтоб музыкантом быть, так надобно уменье
Подобный материал:
  1   2   3   4   5



Методическое пособие

Предмет «Музыка»

Авторы Е.Д.Критская, Г.П.Сергеева, Т.С.Шмагина

III класс


РОССИЯ — РОДИНА МОЯ

      В разделе «Россия — Родина моя» углубляется понимание мелодии как основы музыки — ее души. В связи с этим естественным будет обращение к музыке П. И. Чайковского к фрагменту 2-й части Четвертой симфонии (аналогично обращению к мелодии «Рассвета…» из оперы Мусоргского во II классе).

      «Мелодия — душа музыки». «Мелодия» — слово, красивое само по себе, мягкое, благородное (от греч. мелодия, мелос, т. е. напев, песня). Словом «мелодия» стали обозначать звуковую линию. Если линия в пространстве состоит из точек, то линия во времени состоит из звуков. Мелодические линии, как и линии графические, могут быть прямыми, жесткими, волнообразными, гибкими, ломаными, хрупкими, примитивными и изысканными, томными и энергичными, простыми и сложными. Как человеческая речь состоит из сопряженных по смыслу слов, так и мелодия состоит из сопряженных по смыслу звуков. Как не всякое последование слов является речью, так и не всякое последование звуков является мелодией. Мелодическую мысль образует певучесть, музыкальная связанность, завершенность.

      Пусть ребята, вслушиваясь в тему 2-й части Четвертой симфонии, задумаются о том, с чем связана эта музыкальная мысль, поразмышляют над словами П. Чайковского и ответят на вопросы учебника. Мелодия предстает перед учащимися как любовь человека к жизни, к природе, другим людям. (Ведь как сказал А. Пушкин, «и любовь — мелодия».)

      Все это определяет круг размышлений учащихся, связанных с симфонией П. Чайковского, романсами русских композиторов (М. Глинки, П. Чайковского, Н. Римского-Корсакова, Г. Свиридова), представленными на страницах учебника, и воспитывает родственное отношение к миру. Обращение к этим сочинениям поможет развить в детях способность откликаться и воспринимать сокровенные движения души человека, которые так тонко передает музыка.

      «Природа и музыка». Содержанием этого разворота являются романсы. Музыкальная гармония выступает здесь как слияние поэтического и музыкального текстов.

      Известно, что масштабы построений в инструментальной музыке обусловлены речевым опытом. У школьников происходит подсознательное, интуитивное связывание музыки с речью. Это, с одной стороны, облегчает восприятие инструментальной музыки, с другой — помогает осознать единство слова и мелодии в вокальной музыке — песне, романсе.

      С позиций интонационного подхода возможно разучивание вокального произведения без предварительного показа. Например, детям предлагается «сочинить» фрагмент песни (романса), опираясь на поэтический текст, приближая мелодию речи к музыкальной мелодии. Так, слова «Благословляю вас, леса, долины, реки, горы…» (А. Толстой), выразительно, нараспев произносимые, естественно, могут преобразоваться в торжественную, гимническую мелодию романса П. Чайковского. А слова «Звонче жаворонка пенье» — в яркую, парящую мелодию романса Н. Римского-Корсакова. По мере приближения речевой мелодики (звуковысотной линии произносимых строк) к вокальному звучанию формируются и соответствующие певческие навыки (кантилены, ровности звучания, мягкой атаки — в первом романсе и несколько маркатированного звучания, активной подачи звука, дикционной ясности и т. д. — во втором романсе).

      Возможен и другой вариант. После прослушивания вокального произведения, не зная его названия и слов, сразу начать петь мелодию как вокализ, стремясь передать голосом ее эмоциональный характер. В этом случае детям предлагается подумать, о чем могла бы рассказать мелодия, подобрать слова, которыми можно обозначить ее эмоционально-образное содержание, попытаться интонационно выразить его в стихотворной форме. В дальнейшем сказанное будет проиллюстрировано примером работы над кантом «Радуйся, Росско земле».

      Учитель может попросить детей вспомнить песни, которые они разучивали в прошлом или в этом году («Моя Россия» Г. Струве, «Здравствуй, Родина моя!» Ю. Чичкова и др.), и спросить, были ли среди них романсы. Возможно, учащиеся вспомнят вокальные сочинения М. Глинки («Жаворонок» — задушевную, задумчивую песню с льющейся, плавной, окрашенной светлой печалью мелодией; «Попутную песню» — образец светлой, жизнерадостной лирики, в которой все — движение и порыв, нетерпение, ожидание встречи, взволнованное биение сердца).

      Сравнение романсов с песнями достаточно трудное, но интересное для детей задание. Возможно сравнение формы произведений, особенностей мелодической линии и аккомпанемента. Особое внимание можно обратить на разучивание «Жаворонка» М. Глинки и исполнение его уже на новом художественно-выразительном уровне.

      Большая часть материала раздела «Россия — Родина моя» посвящена раскрытию патриотической темы. Перед учащимися проходят страницы русской истории, отраженные в музыке разных жанров. Кантата «Александр Невский» рассказывает о защитниках Новгородской земли в XIII в. Опера «Иван Сусанин» воссоздает атмосферу народного подвига в Смутное время начала XVII в. (царствование династии Романовых), когда Русское государство могло потерять национальную независимость. Канты и народные песни повествуют о военных походах и победах Петра I в Северной войне, походах А. Суворова (XVIII в.), героях Отечественной войны 1812 г.

      «Виват, Россия!» Разворот знакомит учащихся с жанром канта, рождение которого связано с эпохой Петра I. Здесь достаточно емко объясняется слово «кант». Предложите учащимся подумать над латинскими словами «виват», «кант». Можно ли их заменить на русские слова «да здравствует», «славься», «песня»? Изменится ли от этого музыкальное произведение?

      В учебнике предлагаются канты неизвестных авторов, хотя в отличие от народных песен авторство кантов нередко определено. Канты были элементом различного рода торжеств. Например, специально для празднования дня победы в Полтавской битве (1709 г.) было сооружено семь триумфальных ворот, наверху которых размещались музыканты-инструменталисты и певцы, исполнявшие специально сочиненные стихи и канты.

      Общее в кантах, предложенных в учебнике, определяется их трехчастной формой: крайние части — слава царю Петру (^ Vivat, vivat Орле Российскому!), средняя часть — сострадание к погибшим.

      При разучивании канта «Радуйся, Росско земле!» учитель может сыграть на инструменте один куплет и предложить учащимся определить жанр, характер музыки, русская она или зарубежная, сочинена в наше время или давно, кто и в какой момент может ее исполнять. Чтобы точнее выполнить это задание, учащимся необходимо не один раз услышать и пропеть мелодию канта.

      Исходя из характера музыки можно предложить спеть ее на слоги, напоминающие фанфарный зов трубы, дробь барабанного боя. Тем самым в образной форме будет осуществляться работа над дыханием, активной подачей звука, четкой артикуляцией и т. п. Многократное исполнение мелодии позволит учащимся самостоятельно прийти к выводу, что это торжественная песня, старинный марш, который, возможно, исполнялся при встрече русских воинов после их победы над врагом или ими самими. После этого можно предложить детям «сочинить слова» к этой мелодии. Вот пример текстов, сочиненных учащимися:

Мы идем с победой. (2 раза)
Родина, встречай нас. (2 раза)
Защитили мы страну, (2 раза)
      Родину родную.
Мы вам несем победу. (2 раза)
Радуйтесь и веселитесь. (2 раза)
      Славься, славься, наш народ (2 раза)
            И земля родная.

      Цель этого задания — передать в словах различные грани музыкального образа, которые учащиеся смогли услышать в звучании канта. В связи с этим важно не столько сочинить стихотворение по всем поэтическим законам, сколько организовать его ритмом мелодии.

      Надо учесть, что многое в выполнении этого задания определяется контекстом урока. Наши варианты текста возникли в результате того, что разучивание канта осуществлялось при одновременном знакомстве учащихся с фрагментами оперы М. Глинки «Иван Сусанин». Интуитивное установление интонационных связей произведений не могло не наложить отпечатка на содержание сочиняемых детьми слов. На последующих уроках учащиеся будут разучивать подлинный текст канта, поэтому слова, сочиненные детьми, учителю важно сохранить для сравнения с оригиналом.

      По словам Б. Асафьева, сущность канта — в сочетании возможности «распевать» напев со свойствами музыки, которые стимулируют и организуют движение, поступь, ходьбу (четкость тактовых граней и мерность метра). Это не военный марш и даже не всегда маршевая песня с ее более острыми акцентами, но зато песню-кант можно петь «в восторженно-созерцательном „гимническом“ состоянии без движения и петь, двигаясь, в массовом шествии и обычной прогулке».

      В фонохрестоматии для III класса предлагаются для прослушивания с учащимися два канта: «Радуйся, Росско земле!» и «Орле Российский», в хрестоматии музыкального материала для учителя также есть музыка кантов с аналогичными названиями. Сравните с детьми эти хвалебные песни, постарайтесь найти в них общие интонации.

      «Наша слава — русская держава». Эти слова «хорового ответа» в песне «Солдатушки, бравы ребятушки» — название данного разворота, продолжающего патриотическую тему в русских народных песнях.

      В 1812 г. музыканты были в штате каждого полка. В пехоте сигналы подавали барабанщики, в кавалерии — трубачи, а в гренадерских полках еще и «флейтщики». В знаменитом Бородинском сражении принимали участие около 3000 военных музыкантов. В каждом полку, батальоне, эскадроне были и песенники, хранители солдатского фольклора. Репертуар песенников отражал армейские традиции. Так, русская народная песня «Вспомним, братцы, россов славу» родилась среди смоленских партизан, призывавших на защиту Смоленска в 1812 г.

      Помимо текста песни, приведенного в хрестоматии для учителя, предлагаем еще один куплет, который подтверждает вышесказанное:

Под смоленскими стенами,
Здесь, России у дверей,
Будем биться со врагами,
Не пропустим злых зверей!

      Даже не зная мелодии, можно с уверенностью сказать, что это походно-маршевая песня, в которой чередуются сольный «зачин» и хоровой «ответ». Такова же и песня «Солдатушки, бравы ребятушки»: она быстро запоминается, под нее так и хочется шагать. Музыка 1-й части песни (вопрос) построена на размашистых интонационных ходах, а в мелодии 2-й части (ответе) звучат более собранные, строгие интонации на повторяющихся высоких звуках, что и создает ощущение четкого шага. Характер песни требует короткого активного вдоха и твердой атаки звука. Учащиеся, которым трудно петь начало припева, могут исполнить терцовый подголосок. Когда песня будет разучена, ее можно исполнить с маршировкой на месте. Эта песня проникнута бодрым настроением, звучит в мажоре, как бы доносит до нас мужественный оптимизм русского воинства. А. Суворов писал, что «музыка удваивает, утраивает армию».

      На этих страницах учащиеся увидят старинный медальон с изображением М. Кутузова у портрета А. Суворова и орден св. Георгия 1-й степени, которым награждался тот, кто совершил воинский подвиг. Глядя на великих полководцев, так и хочется воскликнуть строчкой из русской народной песни: «Бьем французов, бьем французов, сам Суворов с нами!» Среди песен, посвященных суворовским походам, главное место принадлежит тем, которые были непосредственно связаны с жизнью солдат, с их ежедневной нелегкой службой. Эти песни просты по музыкальному языку, их ритмический рисунок четко организован, они легко исполняются «под шаг».

      Напомним, что в I классе учащиеся увидели в учебнике памятник А. Суворову, познакомились с песней «Учил Суворов»1 А. Новикова (слова М. Левашова).

      Из старинной солдатской песни «Славны были наши деды» родился известный русский военный марш «Марш Преображенского полка» (его еще называли «Петровским маршем»), который был одним из звучащих символов России. Эту мелодию до революции 1917 г. били куранты Спасской башни Московского Кремля.

      «Кантата „Александр Невский“». Этот разворот посвящен кантате С. Прокофьева.

      Имя великого полководца и святого земли Русской Александра Невского учащимся уже знакомо. Во II классе они познакомились с ним и начали разучивать «Песню об Александре Невском» и хор «Вставайте, люди русские!» из кантаты С. Прокофьева «Александр Невский» (см. учебник для II класса и разворот «Святые земли Русской» в разделе «О России петь — что стремиться в храм»).

      Сравнение иконы святого благоверного князя Александра Невского и фрагмента картины «Кто с мечом к нам придет, тот от меча и погибнет» С. Присекина помогут более глубокому и многозначному раскрытию музыкальных образов кантаты. (Картина художника С. Присекина, нашего современника, украшает вход в Георгиевский зал Большого Кремлевского дворца.)

      Дополнительная информация

      Слово «икона» с глубокой древности стало употребляться как название отдельных самостоятельных изображений, как правило, написанных на доске и получивших широкое распространение в живописи Византии. Икона, по словам о. Александра Меня, говорит на условном языке символов. Чистые краски, певучие линии, необычная перспектива и композиция рождали у созерцающего икону особое состояние.

      Итак, учащиеся продолжают знакомство с жанром кантаты. На этих уроках закрепляется понятие трехчастной формы. Практический опыт показывает, что мелодии (темы) хора «Вставайте, люди русские!» разучиваются детьми с интересом и надолго остаются в их памяти. Вернувшись к уже знакомой музыке хора из кантаты С. Прокофьева, необходимо обратить внимание на особенности его исполнения: избегать форсированного звучания; разучивая главную мелодию хора, стремиться к напевности в сочетании с энергичностью, к передаче героического характера музыки, что достигается пением на активном дыхании, с четкой дикцией.

      Не останавливаясь во всех подробностях на процессе знакомства с хором «Вставайте, люди русские!», покажем, как пластическое интонирование в сочетании с вокализацией помогает услышать разные грани этого музыкального образа: призыв к народу и тревогу за его судьбу, большую любовь к Родине, сдержанное спокойствие и решительность, уверенность. Учитель может просить учащихся напеть тему средней части хора без слов. Естественно, что с первого раза не все получится. Чтобы почувствовать интонационно-смысловое богатство, заложенное в теме, надо понять замысел композитора, а значит, пройти путь становления, создания художественного образа. Для этого могут быть предложены разные его трактовки.

      Можно ли спеть эту тему («На Руси родной…») как нежную лирическую песню? Пробуя спеть так, учащиеся более внимательно вслушиваются в нее, что способствует точности исполнения. Вместе с тем такое исполнение мелодии вряд ли будет оправданным, если ее петь не как вокализ, а со словами. А если попробовать спеть ее как протяжную народную песню? Учитель предлагает пропеть мелодию про себя, «исполняя» движением руки фразировку. Где каждому из учащихся покажется необходимым взять дыхание, там рука должна изменить направление движения. Кто-то из детей услышал здесь три фразы, у кого-то получились две, у некоторых — одна большая фраза. После этого класс поет мелодию со словами.

      Движение — осмысленное исполнение фразировки, вокализация способствуют осознанию важнейшего качества этой мелодии — ее широты, распевности — того, что сближает ее с русской народной песенностью и придает эпический характер звучанию.

      Далее можно выяснить с учащимися, в каком случае тема прозвучит ярче, интереснее, будет больше отвечать замыслу композитора: когда мы поем ее медленно и спокойно, как будто ведем рассказ о давних событиях, размышляем о них, или уверенно, решительно, мужественно, передавая состояние людей, поднявшихся на борьбу с врагом? Вновь и вновь класс повторяет мелодию, стремясь придать своему исполнению различные интонационные оттенки. Достижение результата, который удовлетворил бы прежде всего не учителя, а самих учащихся, лучший показатель их творческой активности, инициативы, самостоятельности поиска.

      Столь же тщательно, кропотливо ведется и разучивание первой темы хора. Подчеркивание в процессе ее исполнения ритмической энергии, акцентирование сильной доли такта в начале темы и первой-третьей долей в дальнейшем ее развитии (при проигрывании мелодии учителем на инструменте, пении класса с называнием нот, со словами) позволит учащимся ярче ощутить призывный, энергичный характер музыки. Движение руки, как бы ударяющей в колокол на акцентированные звуки мелодии, подчеркивает маршевую поступь музыки, способствует более активной артикуляции.

      Целесообразно обратить внимание на оттенок колокольного звона (набата) во вступлении к хору. Когда мелодия разучена, интересно будет сопоставить со звучанием ее в грамзаписи и попросить ребят жестом — резким, сильным движением руки — «исполнить» партию колокола. Учащиеся сталкиваются с тем, что это очень трудно сделать с первого раза: колокол звучит всегда с неожиданными акцентами в мелодии, но постепенно им удается «подхватить» звучание набата в оркестре. Нарушение метричности придает музыке особую выразительность, а обнаруженное учащимися противоречие между ударными звуками мелодии и набатным звучанием колокола в сопровождении вызывает ответные чувства растревоженности, смятения. Пропевание детьми мелодии с включением движения (игрой солиста на треугольнике) поможет выявить эту характерную особенность музыки и тем самым пережить запечатленное ею состояние.

      Возможны разнообразные варианты участия детей в исполнении этого хора, создание различного рода композиций, например: «исполнение» партии колокола в первой части, пение темы второй части и опять включение в оркестровое звучание. Любой музыкально-пластический знак или интонация, по словам музыковеда В. Медушевского, — это одновременно и дыхание, и напряжение мышц, и биение сердца. Так учащимся все полнее раскрывается музыкальный образ этой части кантаты, звучащей в напряженный, драматический момент развития событий.

      Учащиеся смогут самостоятельно прочитать в учебнике о жанре кантаты, обратиться к нотной записи двух тем хора для закрепления того, что происходит на уроке, задуматься о том, что объединяет и что отличает такие музыкальные жанры, как кант и кантата. При работе над кантатой целесообразно показать кадры из кинофильма «Александр Невский» С. Эйзенштейна. Несмотря на то что фильм снят давно (в 1938 г.) и во многом несовершенен, кинематографическое решение исторических образов позволит учащимся ярче почувствовать и пережить музыку кантаты, написанной композитором на основе музыки к этому фильму. Интересно, как ответят третьеклассники на вопрос: можно ли петь хвалебные канты в честь Александра Невского, которые появились в Петровскую эпоху, почти через 500 лет после побед полководца над шведами?

      Учителю важно организовать истинно музыкальную деятельность на уроке. Урок музыки как урок искусства отличается тем, что школьники, погружаясь в произведение, и поют его, и слушают, и обращаются к учебнику, рассматривая репродукции, нотную запись, выполняя задания, исполняют музыку движениями на воображаемых и реальных инструментах. Пластическое интонирование и нотная графика вводятся учителем естественно, тогда, когда нужно без лишних слов оттенить какую-либо характерную особенность произведения, помочь детям ярче почувствовать развитие музыки, глубже понять ее сущность.

      ^ Опера «Иван Сусанин». «Родина моя! Русская земля…» В этом же разделе начинается знакомство с оперой М. Глинки «Иван Сусанин» («Жизнь за царя»). Музыка оперы предстает перед слушателями прежде всего как характеристика русского народа, Русской земли. Учащиеся смогут представить себе героев, персонажей оперы, определить место и время действия по одним мелодиям без слов. «Подсказкой» им будет широкий распевный мужественный характер мужского хора («Родина моя») и игровой, плясовой колорит темы женского хора («На зов своей родной страны»). После этого учитель может сказать, что прозвучали мелодии из оперы «Иван Сусанин» Михаила Ивановича Глинки (1804—1857), затем рассказать о событиях, которые были положены в основу оперы, и предложить учащимся выучить отдельные темы оперы, отдельные сцены, например встречу русских воинов-ополченцев девушками.

      В рабочей тетради для III класса учащимся дается задание выучить мелодии по нотной записи, представить себя в роли дирижера оперного спектакля и продирижировать этой сценой. Все это поможет разыграть фрагмент музыкального спектакля — оперы в классе.

      Мальчики, которые будут исполнять роли воинов, возвращающихся после боя, запевают. При разучивании хора воинов обратите внимание исполнителей на то, что сначала музыка звучит спокойно, тихо, голос запевалы слышен как бы издалека (как будто из-за сцены), постепенно звучание становится все громче — они приближаются. Особенно ярко, с воодушевлением должна прозвучать третья строфа: «Страха не страшусь, смерти не боюсь, лягу за святую Русь!» — слова, которые надо петь как клятву.

      Навстречу воинам выходят девушки. Об этом учащиеся сразу догадаются, услышав музыку (совсем иное звучание — оркестр играет легкую, подвижную, радостную мелодию). Затем вновь звучат мужские голоса: «Всех, кто в смертный бой шел за край родной, вечно помнить будет Русь» — это обращение к тем, кто остался верен Родине перед лицом смерти. Как изменилась мелодия? Несомненно, учащиеся услышат в этой теме скорбь о погибших. Тема звучит в миноре, но не в мягком, расслабленном, полном печали, а в сдержанном и суровом, полном силы и мужества. Тем ярче ощущается контраст с женским хором. Девочки (крестьянские девушки) еще за сценой спешат приветствовать мальчиков (ополченцев): «На зов своей родной страны идут ее сыны. Золотую брагу, хлеб и мед преподносит вам народ».

      Учащиеся вспоминают, как по русскому обычаю встречают гостей, и определяют, какой момент будет самым подходящим для того, чтобы преподнести хлеб-соль воинам. После того как учащиеся выучат мелодии мужского и женского хоров и послушают интродукцию еще раз, очевидным окажется момент, когда девушки только появляются — их тема звучит только в оркестре, а когда они начинают петь, то наконец, приближаясь к воинам, преподносят с поклоном им хлеб. Во время звучания оркестра воины продолжают идти, поют куплет за куплетом, и каждый из них звучит по-особому.

      Целесообразно выучить со всем классом и завершающую тему «Беда неминучая врагам!», которую как грозное предостережение исполняет весь хор. Так, несколько разных, но взаимосвязанных тем отражают русский характер: это и широкая, певучая мелодия воинов «Родина моя…», и радостная мелодия девушек, и энергичная, решительная маршевая тема.

      Последнюю тему интересно сопоставить с ответом Ивана Сусанина полякам: «Велик и свят наш край родной. Встает земля на подвиг свой…» В учебнике предлагается сравнить этот музыкальный ответ врагам Сусанина из оперы М. Глинки с поэтическим ответом Сусанина из стихотворения К. Рылеева. В основе обоих ответов — одна идея — любовь к родной земле, к Отчизне, но смысл становится значительно глубже, слова приобретают новые оттенки, новое качество, когда звучат с музыкой. Уверенно, строго и величественно исполняет мелодию Сусанин, и мы испытываем те же чувства, что и он, — гордость, силу, уверенность…

      Сравнение этой темы с темой хора «Славься!» позволяет учащимся услышать их интонационное родство: через подвиг Сусанина — к победе над врагом и всенародному торжеству. Эти темы желательно спеть учащимся с ориентацией на нотную запись в учебнике и для большой убедительности и наглядности выписать их на доске в одной тональности:



      Пусть учащиеся попытаются определить самостоятельно, на слух и в нотной записи, в чем сходство и различие этих тем. Фактически это одна и та же мелодия, но хор «Славься!» — торжественный гимн, а ответ Сусанина — широкораспевная мелодия, полная внутреннего достоинства, неспешности, единой линии развития. Класс сможет в этом убедиться, если попытается спеть мелодию с разными смысловыми оттенками, которые могут варьироваться в зависимости от выбранного главного слова: велик, край. Пусть ребята сами найдут наиболее выразительную трактовку, выберут тот или иной вариант исполнения.

      «Да будет во веки веков сильна...» Детям предлагается послушать и спеть хор «Славься!» из финала оперы. Учащимся будет интересно узнать, что под звуки именно этого хора 24 июня 1945 г. из Спасских ворот Кремля выехал на белом коне маршал Г. Жуков, командующий Парадом Победы. Обратите внимание учащихся на то, что звучание заключительного хора оперы напоминает звучание канта, имеет гимнический характер, усиливает торжественность, праздничность происходящего. Если подчеркнуть голосом каждую сильную долю, то возникает ощущение колокольности, которую дети могут подчеркнуть движением рук. Звучание настоящих колоколов учащиеся услышат в записи — в эпилоге оперы. Так люди славят своих героев, которые отдали жизнь за свободу Родины. Один из них — Иван Сусанин.

      Знакомство с арией Сусанина можно начать с определения песенного характера главной мелодии, исполненной без слов на фортепиано. Важно, чтобы ребята по самой музыке почувствовали серьезность, сосредоточенность настроения и передали этот характер размышления в своем исполнении сначала без слов (поют как вокализ), затем со словами. Необходимо создать атмосферу для вдумчивого вслушивания в музыку. Для этого учитель рассказывает о подвиге Сусанина и просит учащихся ответить после прослушивания арии на вопрос: «Как композитор передал душевное состояние человека, готового идти на смерть во имя спасения Родины?» Несомненно, школьники отметят мужественную сдержанность музыки, ее суровые и в то же время скорбные краски, выразительность звучания низкого мужского голоса (баса), исполняющего арию. Ярким показателем того, насколько ребят захватила музыка, станет тишина, возникшая после ее слушания, минуты внутреннего сосредоточения учащихся, когда они глубоко сопереживают музыке.

      При разучивании мелодии арии со словами следует обратить внимание на распевы, которые роднят ее с русскими народными песнями, придают ей протяжность, особую взволнованность. Ориентация на нотную запись поможет более точному исполнению распевов и ритмического рисунка.

      Для более глубокого восприятия музыкального образа у учащихся важно развить умение устанавливать по сходству и различию его интонационные связи с другими образами. Так, в учебнике перед детьми — задания и вопросы на сравнение таких фрагментов из оперы, как ответ Сусанина полякам и хор «Славься!» (о чем было сказано выше); хора «Вставайте, люди русские!» из кантаты «Александр Невский» С. Прокофьева с арией Сусанина и хором «Славься!».

      И хор из кантаты, и хор из оперы сопровождает звучание колоколов. Однако в первом случае — это тревожный, набатный колокол, во втором — праздничный, радостный колокольный звон. (Первая встреча с колокольными звонами произошла во II классе, когда учащиеся знакомились с темой «Великий колокольный звон» в разделе «О России петь — что стремиться в храм».)

      Хор «Славься!» звучит в куплетной форме, передающей торжество, ликование. Но только ли радость звучит в финале? Неожиданным и вместе с тем оправданным контрастом звучит тема скорби и печали — память о погибших («Всех, кто в смертный бой…»). Учащиеся могут напеть эту мелодию сами, ориентируясь на нотную запись в учебнике или в рабочей тетради (фрагмент интродукции). Еще один важный момент для сравнения: контраст образов, построенных на единой интонационной основе. Например, нисходящий звукоряд («Настало время мое» из арии Сусанина и «Вспомним, братцы, Русь и славу» из русской народной песни) или интонация плача и призыва соответственно («Ты взойдешь, моя заря» и «Вставайте, люди русские!»).

      Поиски сходства и различия между отдельными интонациями, частями, музыкальными сочинениями в целом, неожиданное выявление каких-либо противоречий, контрастов, осознание логики их сопоставления обостряют внимание детей, будят их мысль, влекут за собой активный интерес к музыке.


^ В МУЗЫКАЛЬНОМ ТЕАТРЕ

      В III классе раздел «В музыкальном театре» «открывает» фея Сирени — иллюстрация к балету «Спящая красавица» П. Чайковского, который становится своего рода кульминацией в развитии восприятия детьми музыкально-симфонической драматургии.

      «Руслан и Людмила». «Я славил лирою преданья». Начинается раздел со знакомой детям оперы М. Глинки. Учащиеся вновь обращаются к уже известным им «Маршу Черномора» и сцене похищения Людмилы, знакомятся с главными героями оперы. Сравнивают полнозвучную, лирическую арию отважного Руслана и легкую, изящную каватину нежной, любящей Людмилы, узнают, какие голоса исполняют эти партии в опере (баритон и сопрано).

      «Фарлаф». Как опера построена на контрастных сопоставлениях, так и страницы учебника переносят детей со свадебного пира в трудный и опасный путь, который совершает один из персонажей — Фарлаф. Чтобы дети лучше почувствовали, как композитор в стремительной арии, написанной в форме рондо, высмеивает спесь и бахвальство Фарлафа, учитель может выразительно прочитать (или попросить сделать это самих детей) начальную фразу: «О радость! Я знал, я чувствовал заране, что мне лишь суждено свершить столь славный подвиг», изображая серьезность и воодушевление. Затем спросить, что может представлять собой персонаж, которому принадлежат эти слова, каким рисуется его характер. Ребята обычно говорят: «смелый, мужественный, решительный». Однако при последующем слушании рондо выясняется, что музыка развенчивает этого «героя», выдавая его трусость и бахвальство. Дети сравнивают прямую речь героя с характеристикой, которую ему, дает Пушкин:

…Фарлаф, крикун надменный,
В пирах никем не побежденный,
Но воин скромный средь мечей…

      Теперь, если обратиться непосредственно к музыке, можно убедиться в том, как ярко она передает все, что происходит в душе Фарлафа. Школьники с помощью учителя выясняют, какими выразительными средствами композитор рисует портрет Фарлафа. Вначале — короткие фразы, частые повторы одних и тех же интонаций, прерывистая речь напуганного человека: «Я весь дрожу…» Здесь можно сравнить музыкальную интонацию с разговорной: как бы ребята сами сказали такие слова, а как передал их в музыке композитор? Реплику «Откройся мне, скажи, кто ты» учащиеся могут спеть и с названием нот, и со словами. Теперь можно вернуться к словам Фарлафа «О радость!» и прочитать их так, как они того требуют: очень значительно и хвастливо. В ответ на какие слова Наины они звучат? В ходе работы выясняется, что образ волшебницы неизменен. Ее речь звучит на одном повторяющемся звуке, как заклинание: «Ступай домой и жди меня: Руслана победить, Людмилой овладеть тебе я помогу». С гордостью, важно признается она Фарлафу в том, кто она. А какое чувство возникает у детей, если они споют ее «признание»?

      Тему «Рондо Фарлафа» учащиеся также могут исполнить по нотной записи. При этом они должны постараться передать теперь уже совершенно иное состояние героя — безудержную радость, торжество и хвастовство. Здесь открывается и смысловое значение формы рондо, которая дает возможность композитору путем постоянного возвращения к рефрену утвердить главную мысль: «Близок уж час торжества моего».

      Интересно сопоставить рондо Фарлафа с «Болтуньей» С. Прокофьева: юмористическая зарисовка персонажей, общность их характера (хвастливая болтливость), использование формы рондо. Сравнение поможет ребятам осознать взаимодействие различных средств выразительности, придающих неповторимый характер каждому образу.

      Почувствовать истинный характер героя поможет иллюстрация в учебнике — фото Ф. Шаляпина в роли Фарлафа, а также подпевание репликам действующих лиц, своего рода театрализация при повторном слушании всей сцены из второго действия оперы. Такая работа приучает детей быть внимательными к интонационной выразительности речи и музыки.

      «Увертюра». В завершение работы над оперой учащимся предлагается вспомнить музыкальные темы главных героев, рассматривая их изображения на страницах учебника, и высказать предположение, на каких из них построена увертюра к опере. Ведь композитор пишет ее, как правило, после завершения работы над оперой. После прослушивания увертюры будет интересно выяснить с учащимися, насколько их предположения оказались точными. Конечно, основные темы с ребятами надо спеть, а побочную тему сначала спеть как вокализ, а затем как тему из арии Руслана со словами.

      К сонатной форме, в которой написана увертюра М. Глинки, учащиеся в полной мере обратятся в средней школе, однако в III классе можно отметить особенности ее построения в самом общем плане. Увертюра как характерный зачин определяет эпико-философский склад оперы, и особенности ее построения влияют на силу ее воздействия на слушателей. Учащиеся, несомненно, смогут самостоятельно разобраться в том, один или несколько образов в увертюре, и обнаружить, что, хотя она построена на контрастном сопоставлении тем — воинственной и лирической (главной и побочной), устремлены они к одному — светлому, доброму в жизни. Уже в начальной теме вступления — могучих аккордах — ярко слышен русский характер богатырских образов. Взвивающаяся вверх «удалая» тема, характерная для музыкальной речи М. Глинки, и плавная тема любви Руслана — это те светлые темы увертюры, которые определяют ее общий строй. Им противостоят темы царства Черномора — «аккорды оцепенения». Но, несмотря на звучание устрашающих интонаций Черномора, рождается общая устремленность к свету. Тема главной партии в конце увертюры перерастает в торжественный клич победы. В увертюре преобладают «силы света», мажорные, торжествующие темы, предвещающие победу доброго начала.

      Можно рассказать детям о впечатлении, которое произвела опера «Руслан и Людмила» на великого мастера сказочно-эпической оперы Н. Римского-Корсакова, который в «Летописи моей жизни» заметил: «Действительная… любовь к искусству у меня началась со знакомства с „Русланом“».

      Исполнение и слушание заключительного хора оперы поможет учащимся ярче почувствовать жизнеутверждающую идею оперы. Установление интонационных арок между увертюрой и заключительным хором оперы «Руслан и Людмила» М. Глинки, самостоятельное выстраивание логики музыкального развития действия — все это, составляя решение творческих задач, активизирует детей, делает музыку личностно значимой для них.

      К тому же такая работа, привлекая внимание к музыкальной речи композитора, позволяет выявить особенности его стиля. Ведь, по словам Б. Асафьева, «…в творчестве каждого композитора, нередко сквозь всю жизнь, „бытуют“ несколько — обычно немного — излюбленных интонационных комплексов, вокруг которых и посредством которых сплетается сеть ассоциаций и возникают привычные образы…». Русская попевка — стремительная тема главной партии — становится определяющей в дальнейшем развитии оперы, воплощая образ могучих народных сил. Она превращается в былинный эпический запев Баяна, в горестное, величественное размышление Руслана (минорное — «О поле, поле, кто тебя усеял мертвыми костями…»), воодушевленно-мужественную речь (мажорное — «Дай, Перун, булатный меч мне по руке…»), в торжественное звучание заключительного хора «Слава великим богам». Общее впечатление от встречи с оперой — радость, свет, восторг, солнце.

      Борьба добра и зла — одна из основных тем в искусстве, проблема жизни людей. Пусть дети задумаются о добре и зле в жизни, о противоречивых мыслях, чертах характера человека, о том, что со всем этим мы встречаемся и в произведениях искусства. Можно спросить у них, не обращали ли они внимания на то, как в них самих иногда борются разные мысли. Иногда побеждает доброе, хорошее, иногда плохое. Каждому не мешало бы уметь разбираться в самом себе, понимать, что в нем есть хорошего и плохого, и стремиться к идеалу.

      «Орфей и Эвридика». В этой опере немецкого композитора Кристофа Виллибальда Глюка (1714—1787) учащиеся вновь встретятся с резко контрастными образами добра и зла — Орфея и фурий (злых ведьм мрачного царства Аида). Несомненно, учитель познакомит третьеклассников с мифом об Орфее. Но стоит ли это делать до слушания музыки? Собственно музыкальную восприимчивость лучше всего воспитывает сама музыка. И пусть ребята напоют «Мелодию» К. Глюка, послушают ее в записи и задумаются над тем, какие чувства передает эта музыка. Лирическая мелодия, полная сдержанной, благородной скорби и любви, интонаций плача. Эти секундовые интонации напойте с детьми, ориентируясь на нотную запись в учебнике.

      В основе переживаний человека — любовь, утраты, потери, стремление к счастью, добру, справедливости. Эти состояния особенно ярко проявляются при сопоставлении «Мелодии» и «Хора фурий». Наиграв тему хора фурий, можно спросить у детей, из одного ли произведения эти фрагменты. Если да, то в какой последовательности они могут звучать?

      Зло, ворвавшееся в жизнь человека, рок, изменивший его судьбу, — как звучит эта музыка? Пусть школьники напоют тему хора и послушают его в записи. Мощное звучание оркестра, хора, акцентированные унисоны (резкое форте — sf ), ровное движение (как суровое заклинание), острые гармонии, возможно, напомнят им образ зла в другой опере («Марш Черномора» из оперы «Руслан и Людмила»). Зло в любую эпоху, в любой стране, как в жизни, так и в мифах, сказках, в разных видах искусства, всегда узнаваемо, и ему всегда противостоит могучее, доброе, светлое начало.

      После знакомства с мифом об Орфее и рассказа учителя об опере можно предложить детям повторно послушать «Хор фурий» и «Мелодию». Фурии символизируют силу, противостоящую человеку, как «веление свыше», то, с чем человеку приходится вступать в неравную борьбу, испытывая свою волю и проявляя героизм.

      Как может музыка развиваться дальше? Пусть учащиеся выскажут свои предположения. (Чем настойчивее, напряженнее жалобы и мольбы Орфея, тем больше смягчается звучание хора, светлеет его колорит. Мягкая, пластичная, трогательная мелодия разрастается — ведь она должна очаровать и тронуть духов.)

      Пусть учащиеся задумаются: почему эту мелодию, написанную 250 лет назад, часто исполняют в концертных программах, по радио, телевидению? Чем она нас трогает сегодня? В чем ее сила? Важно, чтобы учащимся вновь захотелось к ней вернуться, чтобы на вопрос, старинная это музыка или современная, они не смогли ответить однозначно: музыка написана давно, современна, созвучна нашим чувствам и мыслям.

      «Снегурочка». Это еще один музыкальный спектакль, с которым встретятся учащиеся на страницах учебника для III класса. Можно обратить внимание на то, что опера М. Глинки была написана по поэме А. Пушкина «Руслан и Людмила», в основе оперы «Орфей и Эвридика» К. Глюка — древнегреческий миф о певце Орфее и силе искусства, а в основе оперы Н. Римского-Корсакова — пьеса А. Островского «Снегурочка».

      Опере посвящены три разворота учебника.

      «Волшебное дитя природы». Первый разворот посвящен арии Снегурочки и сцене таяния. Вспоминая русскую народную сказку и рассматривая рисунок В. Васнецова, пусть дети попытаются представить музыку арии Снегурочки. Ведь ария, как правило, песенная музыка, выражающая мысли и чувства действующего лица оперы, оперного спектакля. Какой должен быть характер арии? Какой голос ее будет исполнять? Какие инструменты могут ее сопровождать?

      Контраст музыки пролога (ария «С подружками по ягоду ходить») и сцены таяния позволит почувствовать учащимся, как реальность переплетается со сказкой. Пусть дети не только послушают арию Снегурочки, но и попробуют ее напеть для того, чтобы в полной мере ощутить непосредственность, шаловливость, легкость, воздушность Снегурочки, фантастические черты сказочного лесного существа («голос природы»); понять, как из интонаций ауканья вырастают колоратурные пассажи, виртуозные мотивы мелодии, которые больше напоминают инструментальные наигрыши. Они холодно и прозрачно звучат и в партии солирующей флейты.

      Можно обратить внимание на тембровую окраску темы и в сцене таяния. Если в начале солирующая скрипка и флейта (потом скрипки и кларнет, скрипки и гобой) окрашивают музыку в теплые и трогательные тона («Но что со мной? Блаженство или смерть? Какой восторг! Какая чувств истома!»), то на словах «Люблю и таю» к сопрано, кларнету и аккомпанирующим струнным присоединяются духовые и арфа. Именно глиссандо арфы позволит ощутить как бы истаивание, растворение мелодии. Тема звучит несколько раз, и учащиеся, возможно, заметят рондообразность сцены.

      «Полна чудес могучая природа…» Во втором действии обрисован мудрый царь Берендей, который поражен красотой Снегурочки, сравнивает ее с нежным весенним ландышем. В учебнике дети увидят эскизы декораций В. Васнецова «Берендеева слободка» и сказочные «Палаты Берендея».

      Задумчиво звучит нежная мелодия каватины «Полна, полна чудес могучая природа…», которую исполняет высокий мужской голос (тенор) в сопровождении неторопливо сменяющихся красивых гармоний у засурдиненных струнных и непрерывно льющейся мелодии у солирующей виолончели. Все это раскрывает чуткую к прекрасному, поэтическую натуру царя Берендея, внешность которого часто сравнивают с обликом самого композитора.

      «В заповедном лесу». Эти страницы знакомят учащихся с пляской скоморохов, которая исполняется в третьем действии оперы перед Третьей песней Леля, и с заключительным хором оперы.

      Интересно, как ребята ответят на вопросы: в какой момент начинается пляска — сразу или сначала скоморохи выбегают, а собственно пляска начинается со звучания духовых инструментов (тема звучит как народный наигрыш гобоя в сопровождении струнных)? Меняется ли тема? Как она развивается?

      Заключительный хор оперы «Свет и сила Бог Ярило» сочинен Н. Римским-Корсаковым в характере древних гимнических напевов. Целесообразно разучить с детьми эту мажорную мелодию хора, стараясь приблизить исполнение к звучанию в опере, где первую строфу запевает Лель, вторую исполняет хор, третью — ансамбль солистов, и наконец — оркестровое и хоровое tutti. Аналогично этому в классе начинает петь солист, затем группа детей, весь класс, учитель — соло на фортепиано (октавные унисоны) и в завершение весь класс — с аккомпанементом учителя при постоянном нарастании динамики и ускорении темпа. Все это поможет ярче почувствовать силу, блеск, яркость финала, полного радости и солнечного света.

      Ответы на вопросы, поставленные в учебнике, позволят детям достаточно полно проникнуть в суть идеи оперы о торжестве и могучей силе природы и искусства.

      Интересно сопоставить песенные и маршевые темы разного характера («Шествие царя Берендея» сравнить с «Маршем Черномора», «Маршем» из балета «Щелкунчик», маршем из оперы «Любовь к трем апельсинам», с «Хором фурий»). Что общего и различного во всех названных произведениях? Везде слышна поступь, однако насколько же она различна!

      «Океан-море синее». Учащиеся знакомятся со вступлением к опере Н. Римского-Корсакова «Садко», в основе которой лежит былина.

      На вопросы в учебнике ребятам помогут ответить понятия, данные на этих страницах. Все вступление (тема моря — одна из главных в опере) вырастает из короткой нисходящей попевки. Что придает красочность этой музыке, как развивается эта интонация? Обратите внимание учащихся на сплетение восходящих и нисходящих ритмомелодических рисунков, непрестанное обновление (варьирование). Все это и рождает образные ассоциации с величавой и полной жизни морской стихией. «Струящиеся» мотивы и тональная окраска (ми-бемоль мажор) по звуко-цветовому ощущению композитора соответствуют «серо-свинцовой» цветовой гамме северного моря. Очевидно, учащиеся заметят, как в конце картины на фоне мотива моря мечтательно и фантастично звучат причудливые аккорды (гармонии), вызывая ощущение сказочности подводного царства.

      Своеобразие таланта Н. Римского-Корсакова, заключающееся в сочетании слухового и зрительного воображения, объясняет яркую изобразительную силу его музыки, равную которой едва ли можно найти у кого-либо из величайших музыкантов мира. Он обладал чародейским даром отражать внешний мир в музыке.

      ^ Балет «Спящая красавица». Знакомство учащихся с этим балетом П. Чайковского начинается со слушания вальса. Если учитель идет по последовательности разворотов учебника, то на предыдущих уроках звучали фрагменты из оперы «Снегурочка» Н. Римского-Корсакова, вступление к опере «Садко». В связи с этим, после того как учащиеся определят, что прозвучавшая на сегодняшнем уроке музыка — вальс, и напоют его мелодию, правомерно обратиться к ним с вопросом: «Эта музыка тоже принадлежит Римскому-Корсакову?» И затем попытаться вспомнить произведения, родственные этому вальсу. Здесь могут возникнуть две линии сопоставлений. Первая — это на поверхности лежащее образное сопоставление — знакомые вальсы разных композиторов: вальсы С. Прокофьева из «Детской музыки», из балета «Золушка», вальс П. Чайковского из «Детского альбома». Вторая линия — сопоставление разных произведений П. Чайковского.

      Пусть учащиеся попытаются напеть мелодию «Марша деревянных солдатиков» медленно и плавно. Не обнаружится ли здесь родство интонаций с вальсом? Ведь у каждого композитора своя, очень отличающаяся от других композиторов музыкальная речь. А если вспомнить пьесы «Мама», «Шарманщик поет» из «Детского альбома» и сравнить их с вальсом из «Спящей красавицы»? Кто же сочинил эту музыку? Какой знакомый нам композитор? Пропевание мелодий каждого из произведений, их пластическое интонирование дают возможность ярче почувствовать музыку: через движение, жест учащиеся более глубоко в нее погружаются, и им в этом случае легче высказать свои впечатления, свое отношение к ней, так как практически они описывают свое собственное состояние, говорят о своих эмоциях, переживаниях, вызванных музыкой.

      «Две феи». После того как назван автор этих произведений, можно сказать, что прозвучал вальс из балета П. Чайковского «Спящая красавица», и предложить послушать вступление — интродукцию к балету. С какими персонажами сказки знакомит нас музыка вступления? Что можно сказать о самом балете по вступлению? Можно ли предугадать события, которые будут происходить в балете, чем он закончится?

      Слушая интродукцию к балету «Спящая красавица», учащиеся, несомненно, отметят резкое противопоставление двух борющихся сил, после чего учитель может рассказать им о содержании балета, его действующих лицах (или спросить у самих ребят).

      Музыка как бы представляет нам двух волшебниц: вестница добра — светлая, спокойная, лирическая тема феи Сирени противостоит натиску злого духа — острому, напряженному звучанию темы феи Карабос. После ответов детей можно обратиться к учебнику и, рассмотрев рисунки и нотную запись, попытаться «исполнить» темы феи Карабос и феи Сирени. Светлую, ласковую, успокаивающую тему феи Сирени можно напеть с учащимися. А тему феи Карабос, вероятно, лучше передать в движении. Пусть ребята сами найдут движения, наиболее точно передающие музыкальный портрет злой колдуньи.

      После такого «исполнения роли» каждого из действующих лиц балета можно еще раз более внимательно посмотреть нотную запись и постараться определить особенности каждой из тем: разницу в темпах (это первое, что прочитывается детьми), разную динамику (три forte — в теме феи Карабос и piano — в теме феи Сирени), разные штрихи (отрывистые, короткие, резкие звуки в первой теме и плавное движение мелодии — во второй). Все это образует контраст интонаций, определяя разный характер каждой темы.

      «Сцена на балу». На следующем развороте учащиеся видят фотографии различных сцен из балета «Спящая красавица», вновь слушают фрагмент вальса, выступая не только в роли слушателей, но и в роли дирижеров. Это целая поэма о вальсе, в которой «пластика поет». Очень важно спеть мелодию вальса, запомнить эту светлую, нежную музыку, поскольку интонации именно этого вальса претерпевают изменения в ключевой сцене, когда на балу появляется фея Карабос. Финал первого действия представляет собой широко развитую симфоническую сцену. Здесь изменившиеся интонации вальса, злорадно-торжествующее звучание темы феи Карабос, предвещающей трагедию, танец Авроры с веретеном (новое преломление темы феи Карабос), тема горя и отчаяния окружающих (виолончели и фаготы) вновь в сопоставлении с темой феи Карабос как виновницы всего происшедшего, и наконец — красивое, развернутое завершение всей сцены — плавно парящая мелодия феи Сирени (английский рожок) как смягчение злого заклинания, колдовства — все царство погружается в волшебный сон.

      Не стоит вспоминать (тем более рассказывать) с детьми сюжет сказки, в частности события, происшедшие на балу. Пусть они, вслушиваясь в финал первого действия и наблюдая за развитием отдельных интонаций и тем, попробуют самостоятельно представить себе все происходящее на сцене и ответить на вопросы: звучит ли вальс? Слышны ли знакомые интонации? В связи с чем изменилась мелодия вальса? (См. с. 200.) Как и когда появилась тема феи Карабос? Как музыка передает то, что происходит с Авророй, и какие чувства переживают гости? Чем заканчивается действие балета? Вся сцена звучит в подвижном темпе (скоро, живо), но как меняется в ней настроение… От безмятежно-светлого, радостного состояния — через волнение, вторжение злорадно-торжествующего начала, влекущего за собой смятение, скорбь, отчаяние, — к светлому, нежному звучанию, полному надежды и вместе с тем незавершенности.

      Дома учащиеся могут обратиться к рабочей тетради и, узнав персонажей сказки в рисунках, подобрать соответствующие краски для их характеристики. Кроме того, им предлагается представить себя режиссерами и дать свои предложения по «постановке спектакля».

      «В современных ритмах». Постижение учащимися интонационно-образной выразительности музыки, развития музыкальной драматургии в целом продолжается при знакомстве с таким жанром, как мюзикл. Вниманию школьников предлагаются фрагменты из мюзиклов «Звуки музыки» Р. Роджерса и «Волк и семеро козлят на новый лад» А. Рыбникова.

      Забавную песенку о звукоряде из кинофильма «Звуки музыки» ребята могут разыграть, как это сделано в фильме. Кто-то один возьмет на себя роль веселой и доброй учительницы, другие — роли непоседливых детей.

      Предварительно же, перед началом разучивания музыкального диалога, можно организовать своего рода игру «Эхо»: учитель поет и одновременно записывает ноты на доске, ребята следом повторяют звуки. Затем фрагмент разучивается по нотной записи (обе партии). При этом целесообразно обратить внимание на постоянное ускорение темпа, на достижение яркой эмоциональности исполнения верхнего голоса, насыщенности звучания, что в немалой степени зависит от аккомпанемента учителя. В дальнейшем звукоряд, лежащий в основе данного фрагмента, можно использовать в качестве распевания.

      Постановку мюзикла «Волк и семеро козлят…» можно осуществить к какому-либо школьному событию, празднику. На уроках в этом случае необходимо выучить песни Козы, козлят, выбрать солистов, ведущего. Партию Волка, возможно, стоит разучивать вне урока, чтобы его первое появление в спектакле было неожиданностью и дети смогли бы в полной мере ощутить особенности музыкальной драматургии: появление контрастной темы вносит в развитие действия резкий перелом.

      Пусть учащиеся вспомнят, где они уже встречались с такой особенностью, и скажут, чем, по их мнению, мюзикл А. Рыбникова отличается от детской оперы М. Коваля.

^ В КОНЦЕРТНОМ ЗАЛЕ

      В III классе продолжается освоение учащимися таких жанров музыкального искусства, как инструментальный концерт, симфоническая сюита, симфония, соната, песня, инструментальные пьесы. Учащиеся знакомятся с историей создания и выразительными возможностями музыкальных инструментов — флейты, скрипки. Перед детьми раскрываются особенности таких приемов музыкального развития, как повтор, контраст, вариационное развитие. Накапливаются слуховые впечатления и знания о средствах музыкальной выразительности (мелодии и аккомпанементе, темпе, ладе, тембре) и формах (двухчастная, трехчастная, вариационная), углубляется осознание триединства «композитор — исполнитель — слушатель» и роли каждого из них в создании и бытовании музыки, формируются навыки коллективного музицирования песенной, танцевальной и маршевой музыки в процессе различных видов музыкальной деятельности — пения, пластического интонирования, музыкально-ритмических движений и пр.

      «Музыкальное состязание». Этот разворот открывает раздел «В концертном зале». Жанр инструментального концерта уже знаком учащимся — с Первым концертом для фортепиано с оркестром (1-я часть) П. Чайковского они встречались в учебнике для II класса. Вспомнив величественный, торжественный, праздничный характер звучания главной темы 1-й части концерта, можно предложить ребятам подумать, почему музыка именно этого концерта стала своеобразным символом России, музыкальной визитной карточкой нашей родины за рубежом. Какие свойства музыки П. Чайковского подчеркивают ее русский характер?

      Размышляя с детьми над двумя значениями слова «концерт» («состязание» и «согласие»), учитель может рассказать им о том, что композиторы, русские и зарубежные, создавали концерты для различных солирующих инструментов (скрипки, флейты, виолончели, фортепиано и даже голоса) и симфонического оркестра. Жанр концерта окончательно сложился к концу XVIII в., хотя первые упоминания о нем относятся к более раннему времени — к началу XVI в.

      Картина К. Сомова «Концерт» перенесет учащихся во время, когда широкое распространение получили музыкальные вечера, домашнее музицирование.

      Дополнительная информация

      В работах русского живописца и графика К. А. Сомова (1869—1939) с особенной выразительностью проявились мотивы рококо. Он рано приобщился к истории искусства. (Отец художника был хранителем коллекций Эрмитажа.) Закончив Академию художеств, молодой мастер стал великолепным знатоком старой живописи, блистательно имитировал ее технику в своих картинах. Основной жанр творчества К. Сомова можно было бы назвать вариациями на тему «галантной сцены». Однако все средства живописи художника были направлены на то, чтобы показать «галантную сцену» как фантастическое видение, на мгновение вспыхнувшее и сразу же исчезнувшее.

      Концерты обычно имеют три части. Перед слушанием 3-й части Первого концерта для фортепиано с оркестром П. Чайковского, в качестве главной темы которой композитор использовал мелодию украинской песни-заклички «Веснянка», можно вспомнить и спеть с детьми те русские народные песни-заклички, с которыми они познакомились на уроках музыки во II классе (см. разворот «Встреча весны»), а затем разучить украинскую «Веснянку». Пусть ученики найдут характерные интонации этой песни, повторяющиеся фразы, задумаются над ролью распевов и постараются в своем исполнении передать настроение этой песни. Интересным будет для ребят и сравнение ладовой окраски (мажор-минор) знакомых им веснянок. «Вторая жизнь» веснянки в концерте П. Чайковского связана с особенностями развития этой мелодии (вариации), изменениями темпа, тембра, регистров, лада и других средств выразительности.

      «Звучащие картины». Этот разворот переносит учащихся в мир музыки, написанной для флейты, скрипки, лютни. Картины «Мальчик-флейтист» Д. Лейстера и «Музыкантши» неизвестного автора XVI в. полны гармонии чувств, красок, музыки. Содружество и согласие духовых и струнных инструментов в ансамбле исполнителей очевидно. И в какую бы эпоху ни была написана музыка, она выражает те или иные чувства и мысли человека, а потому созвучна и нашей эпохе, нам с вами. Целесообразно еще раз обратиться к картине «Концерт» К. Сомова и сопоставить ее с «Музыкантшами». О музыке какого времени, какой эпохи, какого народа они нам рассказали? В чем обнаруживается сходство, а в чем различие?

      «Музыкальные инструменты». Со звучанием флейты — деревянного духового инструмента — учащиеся знакомились на примерах темы Птички из симфонической сказки «Петя и волк» Прокофьева (I, II классы) и «Мелодии» из оперы «Орфей и Эвридика» К. Глюка (I, III классы). Вновь можно вспомнить стихотворение М. Лермонтова «Рыбак», в котором рассказана в шутливой форме история создания этого инструмента.

      Важно, чтобы в процессе вслушивания в тембр звучания флейты учащиеся начали осознавать, что голос этого инструмента способен передавать различные эмоциональные состояния, рисовать многообразие человеческих чувств и переживаний. Вспомним, что одним из методов накопления эмоционально-образных впечатлений детей и их слуховых представлений является метод «тождества и контраста». Тема Птички из сказки С. Прокофьева, «Шутка» из сюиты И.-С. Баха, «Мелодия» из оперы К. Глюка — что их роднит, что отличает? Какие из этих музыкальных тем и пьес можно отнести к старинной музыке, а какие — к современной?

      Возможно, ребята вспомнят, что еще в I классе они встречались с лютневой музыкой, читали сказку «Чудесная лютня» о великой силе музыки, которая может поведать обо всем, что происходит в душе человека. Уместно напомнить им и звучание лютневой музыки.

      С голосом струнного смычкового инструмента скрипки дети уже знакомы. Они безошибочно определяют голос скрипки среди других музыкальных инструментов. Струнные инструменты симфонического оркестра (в том числе и скрипка) звучали в «Рассвете на Москве-реке» М. Мусоргского, в «Вальсе» из балета «Золушка» С. Прокофьева, в «Весне и осени» С. Свиридова, в Симфонии № 40 и увертюре к опере «Свадьба Фигаро» В.-А. Моцарта, в «Утре» Э. Грига и др.

      Еще до звучания того или иного произведения учащиеся могут предположить, какая сейчас прозвучит музыка, если вглядятся в репродукцию картины «Скрипка» К. Петрова-Водкина и скульптурную композицию «Паганини» С. Коненкова. В них учащиеся увидят скрипку, но если в картине ее изображение вызывает чувство теплоты, задушевности и вместе с тем одиночества, печали, то в скульптуре ясно ощущается необыкновенная энергия, мощь, вдохновение, сила, страсть.

      Как подействуют на детей эти произведения изобразительного искусства? А какое впечатление возникнет у них от музыки, которая прозвучит на уроке? Сопоставление «Мелодии» П. Чайковского и «Каприса» Н. Паганини даст учащимся возможность пережить самые разные эмоциональные состояния и в то же время представить разнообразные исполнительские возможности скрипки — от звучания лирической песенной, взволнованной «Мелодии» до виртуозного, с острыми ритмами и затейливыми изгибами темы «Каприса».

      Разучивание норвежской народной песни «Волшебный смычок», напоминающей неприхотливый народный наигрыш, станет своего рода обобщением мысли о значении музыки в жизни человека, о необыкновенной силе искусства, которое так же необходимо человеку, как пища и кров.

      Чтобы учащиеся лучше освоили особенности подвижной мелодической линии этой песни, полезно воспользоваться нотной записью в учебнике, выписать всю мелодию песни на доске. По звучанию ребята могут определить лад песни. Полезный прием для развития слуха и усвоения нотной грамоты — запись мелодии без знаков. Учитель играет так, как написано на доске, а ученики пытаются найти ошибку и определить, как ее надо исправить, — выше или ниже должен звучать этот звук (III ступень тональности). Разучивание песни и с названием нот, и со словами должно отвечать характерным особенностям этой танцевальной песни. Учителю следует обращать внимание на ясность артикуляции детей, легкое, быстрое произнесение ими слов и согласных звуков. Целесообразно начинать разучивание песни legato и постепенно переходить к пению non legato. Легкий акцент на каждой сильной доле, подчеркивающий трехдольность, создает ощущение танцевального характера. Добиваясь интонационно-осмысленного исполнения, можно воспользоваться приемом варьирования логических ударений. Это придает разные смысловые оттенки исполняемой фразе (например: «Пришё́л к нам в село́ музыка́нт-старичо́к») и приводит ребят к мысли, что наиболее естественным и выразительным является ударение на сильной доле третьего такта, что соответствует развитию мелодии, устремленности к вершине всей фразы. Одновременно с этим достигается единство музыки и слова: «музыкант» — самое важное слово во всей фразе, ведь именно под звуки скрипки «веселится народ, танцует, играет, смеется, поет».

      Здесь возможно использовать фрагменты литературных произведений, в которых речь идет о чудодейственной силе звучания скрипки, например стихи «Скрипка» У. Кумисбаева (перевод с казахского В. Савельева), «Скрипка» С. Баранова, сказку болгарского писателя О. Василева «Кузнечик-музыкант» (существует музыкально-литературная композиция «Кузнечик Чирп», в которой звучит музыка К. Дебюсси), а также исполнить песню «Музыкант» Е. Зарицкой (слова В. Орлова) из хрестоматии для II класса, обратив внимание на то, где и как в аккомпанементе песни звучит тема из «Шутки» И.-С. Баха.

      Для развития музыкально-слухового опыта детей чрезвычайно важное значение имеет сопоставление разных интонационных пластов, начиная с различных эпохальных, национальных стилей и кончая различными стилевыми направлениями и индивидуальными стилями.

      «Сюита „Пер Гюнт“». Странствия Пера Гюнта, героя симфонической сюиты Э. Грига, знакомят детей с образами природы («Утро»), сказочным царством троллей («В пещере горного короля»), музыкальными портретами восточной танцовщицы («Танец Анитры»), верной подруги Пера — Сольвейг («Песня Сольвейг»), трагической, траурной музыкой («Смерть Озе»). Пусть учащиеся задумаются над тем, как в своей сюите Э. Григ использует песенную, танцевальную и маршевую музыку для создания таких непохожих друг на друга персонажей, как приемы вариационного развития, различные музыкальные формы (двухчастная, трехчастная и др.) делают возможным показ разных граней характера героев.

      Отдельные части сюиты даются детям в контрастном сопоставлении. Так, сначала сравниваются «Утро» и «В пещере горного короля». И оказывается, что такие контрастные образы близки по форме. В обоих случаях тема получает вариационное развитие. Целесообразно вспомнить с учащимися, что они уже знают об этой музыке, с чем ее сравнивали. Этому поможет возвращение к развороту «Утро» в разделе «День, полный событий», где приводятся слова самого композитора о музыке «Утра» и стихи из народной норвежской поэзии. К ним стоит обратиться вновь, когда дети будут рассматривать разворот «Севера песня родная» и перейдут к слушанию и исполнению других частей сюиты Э. Грига.

      Особое внимание следует обратить на то, что такие непохожие «женские» образы сюиты (и в «Танце Анитры», и в «Смерти Озе», и в «Песне Сольвейг») имеют общий интонационный стержень. К этому выводу учащиеся должны, по возможности, прийти самостоятельно. Пусть они поют эти интонации по нотной записи и, осуществляя смысловое переинтонирование (мелодию «Танца Анитры» поют в характере «Песни Сольвейг» и наоборот), придут к выводу об их интонационной родственности. В результате детям открывается индивидуальное своеобразие музыкальной речи Э. Грига.

      Учащиеся, вслушиваясь в детали изложения, осознают музыкальный текст как единство содержания и звукового его оформления. Это позволяет избежать «околомузыкальных» разговоров (вне опоры на звучание музыки). Открывается возможность для содержательного анализа средств музыкальной выразительности, которые предстают как способ проникновения в целостный художественный смысл произведения. «Воспринимается музыка в целом, — писал Б. Асафьев. — Элементы не дифференцируются, если только в замысел композитора не входит сознательное выделение и подчеркивание значения одного из элементов (ритма, как это бывает у Бетховена, мелодии, гармонии или тембра как комплекса)».

      «Героическая». «Призыв к мужеству». Третья, «Героическая» симфония Л. Бетховена предстает перед учащимися III класса как произведение, наполненное многообразными музыкально-художественными образами, поэтому учителю важно со вниманием отнестись к тем ассоциативным связям, которые предлагаются на страницах учебника. Мужественная, наполненная внутренней силой и сдержанной энергией тема 1-й части симфонии сопоставляется с рассказом о гибели парохода «Титаник», гравюрой «Бетховен дирижирует оркестром», живописным полотном И. Айвазовского «Буря на Северном море». Что общего в интонациях музыки, рисунка, картины? Как помогают другие виды искусства почувствовать и понять образ «Героической» симфонии?

      Можно предложить школьникам попытаться объяснить смысл слов Л. Бетховена: «Через борьбу — к победе, через тернии — к звездам». Какой музыкой композитор призывал к мужеству своих слушателей?

      «Вторая
  1   2   3   4   5

Скачать, 231.33kb.
Поиск по сайту:

Добавить текст на свой сайт


База данных защищена авторским правом ©ДуГендокс 2000-2014
При копировании материала укажите ссылку
наши контакты
DoGendocs.ru
Рейтинг@Mail.ru